http://hollygolightly.com

http://www.myspace.com/hollygolightlyandthebrokeoffs

Origine du Groupe : U.K
Style : Folk , Country , Blues
Sortie : 2008

Holly Golightly has enough experience not to draw from it. She released her first solo album in 1995, after spending a few years in Thee Headcoatees; since then, she has kept up a steady pace of new material, at least one of these per year: singles comps, odd and ends packages, live shows, and (oh yeah) traditional albums. That rate of production often seems crucial to the palatability of her new old-timey music, preventing her from overthinking her songs or her performances while keeping everything loose and tossed off. As a result, she sounds a lot less manicured and a lot more convincing than upstarts like Langhorne Slim or Scott H. Biram.

In fact, writing on her web site, she sounds almost apologetic explaining that it took five days to record Dirt Don't Hurt, her second collaboration with the Brokeoffs. Their previous effort, You Can't Buy a Gun When You're Crying (which, you have to admit, is useful advice), was wrapped up in four days. And while she does admit "it may seem a little over-produced to some!" Golightly hasn't gone all Dave Fridmann on us: That extra day doesn't ruin the antique luster of her songs, but just focuses the collection considerably. It's still a heartily ramshackle affair, with pots and pans for percussion, rudimentary banjo picking, and what sound like first take on every track. The album's clattery rawness is its chief appeal.

Some explanation may be required: The Brokeoffs isn't a real backing band, as the pluralized name might suggest. Instead, it's just some dude named Lawyer Dave, who has been playing upright bass for Golightly for about a decade now. He provides the clatter, even sings in a cough on menacing opener "Bottom Below". Their sandpaper and satin voices blend nicely on the country lament "Up Off the Floor" and they imbue "Indeed You Do" and "Slow Road" with a folksy eeriness that lurches and claws at the recriminating lyrics. The slapdash "Gettin' High for Jesus" puts the pot in pots-and-pans. A Holly/Lawyer original, it could be a cover of some late-60s hippie novelty hit by, say, Country Joe & the Fish.

At times Dirt Don't Hurt gets away from them: The clamor becomes grating (the demonstrative metal smacks that kick off ("Three Times Under"), the murder-and-mayhem storytelling sounds like dress-up ("My 45"), and the duo risk the sort of preciousness that sinks some of their sepia-toned peers (the clucks and bocks on "Cluck Old Hen"). But more often than not, they make virtues of these shortcomings, as on the closer "I Wanna Hug Ya, Kiss Ya, Squeeze Ya". This Claudia Swann cover ought to sound unbearably saccharine, but thanks to the rumbling electric guitar and Holly and Lawyer's Mickey & Sylvia vocal trade-offs, it's the album's highlight-- the reconciliation after all the bickering-- underscoring how well the duo play old songs as if they wrote them and write new songs that sound decades old.

by Stephen M. Deusner
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Tracklist :
01.Bottom Below
02.Up Off The Floor
03.Burn Your Fun
04.Slow Road
05.My .45
06.Cluck Old Hen
07.Indeed You Do
08.Gettin' High For Jesus
09.Three Times Under
10.Accuse Me
11.Boat's Up The River
12.For All This
13.Cora
14.Hug You, Kiss You, Squeeze You

 

Note : +

http://alexanderborovik.ru

http://www.myspace.com/alexanderborovik

Took from rap better and it reembodied. However, this new music it is equal as rap, it is so created for the life: it is possible to listen to it, when you go, you lie, you sit, you will go. It can be background, it is possible to listen to it, it is possible to listen to it, and it is possible to design for it, being in any mood. Within the framework resources about rap we consider “by a whisper”, of course, not as something that connected with this rap itself, but as simply good music.

Text possesses not semantic fullness, but fullness by the symbols, which in the head of each will outgrow already by its own associations, thoughts and interpretation. From the other side, it cannot be said that the song of Alexander - this continuously symbolism. In them many sufficiently simple phrases without the dual bottom, which exactly in the context of music acquire their intricate nuances. This music not for those, who love, when all present to them on the saucer, and not for those, who never took into the hands volume with the verses.

The absence of some strict movement to canons, generally something strict gives, at long last, the possibility to be weakened and to cease to analyze and to compare (only if you are the conservative fan of his past turn of creation). Here [Borovik] - free artist. It, as El Salvador they gave, strings means after the means in the limits of one work, creating the fabric, which is deprived of any framework, its linen is limitless.

The amplitude of the fluctuations of mood, manner of performance, arrangement is not great, canvas for this work one. Sensations from one track smoothly overflow into the sensations from another. In the life there are no sharp passages from one aspect to another, so and [Borovik] it must be perceived in the totality.
Thoughts about the success of rhymes (about the rhymes as a whole) practically do not appear. The author rather is similar to the actor, than to the musician. “In a whisper” it obeys as radio performance. From a number of its passages of ant they run along the skin, and is created impression, that some lines could not be written otherwise as on the elbows or in the assaults of fury. And, it seems, in this play main heroine - music.

You listen to and you begin to envy to this freedom from [skilzov], this determination to accept itself as such, such as you exists. Volney [Borovika] perhaps that wind. And this ease of passage of one state to another is definitely transferred to listener and gives to it, in addition to the impressions, feelings and pleasure, the new point of view. Especially if thus far listener could not be abstracted from rap or could not understand that music - this, first of all, skill.

the author: Maria [Leskova]
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Origine du Groupe : Russia
Style : Folk , Rap
Sortie : 2010

Tracklist:
01. Новый
02. Шёпотом
03. Вдохновение
04. Нет никого ближе
05. Белый шум
06. Не убежать
07. Катя
08. В бетонных склепах
09. Исповедь
10. Трамплин
11. Кривой эфир
12. Верить в чудо

 

Note :

http://www.rykardaparasol.com

http://www.myspace.com/rykardaparasol

S'appeler Rykarda Parasol n'est peut-être pas si facile que ça... En effet, nous aurions très vite tendance, trop même, à la classer dans la variété avant même de l'avoir écoutée. Pourtant nous aurions bien tort car Rykarda Parasol nous offre un album plein d'émotion qui n'a vraiment rien à voir avec l'image erronée que nous pourrions nous faire en découvrant son nom.

La chanteuse et guitariste nous vient de San Francisco. Elle a fait ses preuves avec un groupe nommé The Tower Ravens formé en 2002. Un premier EP sort en 2003. Parmi ses influences, il y a un certain Nick Cave mais aussi le Velvet Underground de l'époque Nico. Pas étonnant du tout à l'écoute de cet opus, mais c'est loin d'être les seules.

Un titre comme "Hannah Leah" ne manquera pas de vous captiver. Le chant de Rykarda nous titille les tympans, l'ambiance est hypnotique, impossible de ne pas avoir envie de chanter avec elle tant le refrain nous capture dans ses filets. Dans la voix de la chanteuse, il y a un petit côté Marianne Faithfull mais aussi des empreintes bien PJ Harvey. Ainsi sur "Night on Red River", elle module, elle varie, et puis elle a toujours ce côté captivant dont on ne ressort pas vivant. Elle assure la guitare rythmique, Greg Benitz s'occupant des guitares d'habillement assurant de petites plaintes jouissives. Quelques vocalises transcendent le tout sur la fin.

La mélancolie qui baigne "Weeding Time" est captivante. Sa voix nous ensorcelle à la manière d'une Faithfull. "Candy Gold" est plus rythmé mais l'impression générale d'intimité qui baigne l'opus persiste malgré tout. L'étrangeté de "Arrival, A Rival" nous interpelle. Encore une fois le côté hypnotique est subjuguant et cela en fait une des perles de la rondelle. Plainte aérienne d'un Theremin sur "Good Fall", un court instrumental sur lequel Rykarda assure guitare et piano.

En parfaite disciple de Nick Cave, elle nous envoie en pleine figure ce "How Does a Woman Fall?". Les percussions sont d'une sobriété sans pareille, un peu d'accordéon et de Theremin assure l'ambiance. "En Route" permet au piano de se remettre en valeur soutenant le chant habité de notre vedette. "Lonesome Place" sera plus léger avec un côté Velvet Underground bien marqué. La chanson est basée sur un poème de Langston Hughes.

Le chant de "Texas Midnight Radio" est soutenu par des vocalises aériennes. Le piano de Wymond Miles et la guitare acoustique de Rykarda lui ajoutent ses atours. "Weeding" est plus classique avec un chant lancinant aux tons graves telle une Faithfull. Elle terminera avec "Janis, Don't Go Back" où elle est quasi seule assurant chant et piano. Jeffrey Luck Lucas ajoute juste un peu de violoncelle accentuant la mélancolie.

Sorti en 2006 aux Etats-Unis, ce premier album de Rykarda Parasol arrive seulement en Europe en ce mois de février 2008. Il aurait vraiment été dommage de rater cela et si vous aimez Nick Cave, PJ Harvey, Marianne Faithfull et Patti Smith, je vous le conseille vivement. Elle sera bientôt en tournée en Europe, ne la manquez pas !

par Jean-Pierre Lhoir
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Origine du Groupe : North America
Style : Alternative Folk Rock
Sortie : 2006

Tracklist :
01 - Good Sick
02 - Hannah Leah
03 - Night on Red River
04 - Lullaby for Blacktail
05 - Weeding Time
06 - Arrival, A Rival
07 - Candy Gold
08 - Good Fall
09 - How Does a Woman Fall?
10 - En Route
11 - Lonesome Place
12 - Texas Midnight Radio
13 - Weeding
14 - Good Sick II
15 - Janis, Don't Go Back

 

Note : +

http://romepage.eu

http://www.myspace.com/romecm

Origine du Groupe : Luxembourg

Style : Folk , Alternative , Post Folk

Sortie : 2009

Tracklist :
   1. to a generation of destroyers
   2. the accidents of gesture
   3. odessa
   4. the secret sons of europe
   5. the hollow self
   6. a legacy of unrest
   7. to die among strangers
   8. a culture of fragments
   9. we who fell in love with the sea
  10. swords to rust - hearts to dust
  11. flowers from exile
  12. flight in formation

Rome avait besoin de s’évader de la tour d’ivoire Cold Meat Industries, qui faisait vraisemblablement repoussoir pour certaines personnes. Si je parle pour moi, je parle peut-être pour vous. La signature chez Trisol, véritable Vatican pour les fidèles de la religion gothique et dérivés, vient comme une remise à plat, qui permettra aux travaux précédents de Jérôme Reuter de toucher un auditoire plus vaste et plus conforme à leur nature. Flowers from Exile y sera pour beaucoup. Largement inspiré par les péripéties de ses aïeuls déracinés par les régimes franquiste et mussolinien, cet album installe avec une grande maîtrise, et une humilité sans défaut, de vastes panoramas en argentique bruni, creusés de cette nostalgie sans réponse qui malaxe et plie dans tous les sens une âme coupée depuis trop longtemps de son terreau natal. A force de coups de reins discrets, album après album, pour s’extirper de l’ombre dévorante du panthéon neo-folk, et notamment du diktat des percussions, Rome est parvenu à se défricher là une vraie petite corniche d’indépendance où nul ne viendra réclamer sa dime.

Cela est passé par le travail des guitares, dont parviennent des chapelets d’accords et d’arpèges d’un raffinement et d’une puissance suggestive supérieurs. Loin des démonstrations de doigté mais à l’abri du catalogue du fonds commun, on y devine des rêves de rivages inaccessibles, des désespérances boursouflées comme les mamelles d’une nation à laquelle on a arraché ses enfants. Plusieurs parties trahissent avec bonheur l’intérêt de Jérôme pour les guitaristes espagnols classiques. Entre austérité et fluidité, entre tensions brûlantes et fenêtres de repos, Flowers from Exile suit le cours des rivières de la vieille Europe, où se jettent les petites tragédies collatérales engendrées par les grandes. Le cadre musical s’émancipe de lui-même dans le bourgeonnement des situations imaginées, des intrusions dans nos propres albums de souvenirs. On y croit, on s’y vautre avec passion !

Cela est passé aussi par le travail du son. L’intégration du musicien et producteur professionnel Patrick Damiani en tant que second membre a été décisive. En tant qu’alchimiste de la console, il a aidé à définir le vernis qui amène aux compositions cet éclat de vitrail et ce pelage délicatement parcheminé qui les rend à la fois profondes et distantes ; un peu précieuses certes, mais sans hauteur indue. Il suffit d’écouter le superbe effacement des violons sur “We who fell in love with the sea”, la façon dont les samples de films et de documentaires agissent comme le cartilage naturel des différentes parties, pour prendre la mesure du dévouement et de la soif de cohérence qui a présidé aux arrangements.

Et puis que serait Rome sans la voix aphrodisiaque de Jérôme, évoquant avec ses incantations de baryton angoissé un Dave Gahan sous perfusion de tisane au miel. Avec un parfait équilibre entre les hymnes, les morceaux plus transitoires et contemplatifs, et ceux faisant très honorablement office de générique d’entrée/fin, tout est réuni pour graver Flowers from Exile dans le marbre de 2009, et sans doute bien au-delà, tant il a tous les traits de l’œuvre fondatrice.

Par Matt Moussiloose
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Note :

http://www.myspace.com/okoumusic


Sortie : 2009
Style : Alternative , Folk , Blues

Tracklist :
01 - serpentine
02 - fire juggler
03 - to the bone
04 - evening sun
05 - picked me up
06 - bloodstrangers
07 - eye for an eye
08 - evolution
09 - tired feet
10 - bessie
11 - moonspell blues
12 - dusty ground
13 - a l'aurore
14 - oh papa





Tatiana Heintz et Gilbert Trefzger - Okou - nous prouve que Berlin s'est elle aussi mise à l'heure du Folk et du métissage. Les origines de nos deux compères passent par la France, la Suisse, la Côte d'Ivoire et l'Egypte avant de se rencontrer voilà trois ans. Pour eux, leur monde sans frontières enfante sa culture ; une musique aux amarres larguées, jouée avec une ferveur hors du temps, une musique acoustique, sophistiquée, habitée et simple comme un don.
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