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4 août 2010 3 04 /08 /août /2010 19:00


Note :


Origine du Groupe : Brazil
Style : World Music , Piano
Sortie : 2005

Along the journey of musical discovery our preoccupations centre not on the well-trodden tourist retreats but on those digressions less known, unspoiled and far from the madding crowd. The music of Ernesto Nazareth represents one such destination bestowing new and undiscovered delights.

Born in 1863, Nazareth was profoundly affected by two key cultural influences.

During his lifetime Brazilian musical and cultural tastes were based on those prevalent in Europe. This subordination did not, for a long period, allow genuinely Brazilian classical music to blossom. Prejudice by the “establishment” inhibited the development of indigenous classical music and excluded it from current programmes of institutions such as the National School of Music in Rio de Janeiro. On one occasion an attempt to include four original compositions by Nazareth in the current programme of the School initiated such violent reaction that police intervention was necessary. Even until a few years ago very few pianists of serious intention dared to include the music of Nazareth in their repertoire, since he was not reputed to be a ”classical” composer.

Nazareth was not alone in having been strongly influenced by the folk music of his native country. This had in common with fellow countryman Heitor Villa-Lobos who on hearing the original compositions of Nazareth pronounced them to be the very embodiment of the soul of Brazil. Nazareth’s composition “Tenebroso”(Gloomy) is accompanied by instructions for the player to imitate the guitar in the lower register. This instruction recurs in one of his most famous compositions “Odeon.” In the composition “Plangente”(Lamenting) one hears echoes of the saudade found in the fado. This form of music, imported to Portugal from Brazil in the 19th century by members of the king’s consort in exile there, ironically became the national Portuguese music. (To explore the incredibly beautiful fado listen to Post-Scriptum, Cristina Branco - Empreinte digitale ED 13121).

In his youth, Nazareth was commissioned to promote the music of publishers, including his own, by playing in their establishments. With the invention of the cinema arose the need to accompany silent movies. Nazareth was given a contract by the Odeon Theatre. Here his accompaniment with original compositions, including “Odeon,” attracted many musicians who came just to hear him play.

Nazareth’s output comprises predominantly Brazilian tangos and waltzes of which he wrote more than eighty, and forty respectively. The titles of his work are often humorous and refer to everyday situations in Brazil, especially to the life of the cariocas or inhabitants of Rio de Janeiro. The influence of Chopin is particularly evident in the waltzes eg. Turbilhão de Beijos [track 7] brings to mind Op.69/1 “L’adieu” (Naxos 8.554539 - Idil Biret). He studied the composer’s scores in order to teach himself improved methods of composition, and often performed the works of Chopin on piano.

Nazareth died in 1934, during his lifetime having witnessed the emancipation of the slaves, and establishment of the republic. His charming music remains more powerful than any past debate on to which particular genre it belongs.

As one of Brazil’s most successful concert pianists, Iara Behs is particularly well qualified to perform the music of Nazareth. She is a fine player with excellent empathy for the rhythms and nuances of her country’s indigenous classical music. In addition she engenders audience interest and curiosity in the works she is about to play through informative introduction aided by knowledge of five languages in addition to her native Portuguese.

It may be more than co-incidental that some musicians appear to excel particularly in interpretation of music composed by fellow countrymen. If indeed such a relationship exists, no greater validation could be provided than that of Nazareth/Behs.

In a “perfect world” of classical music, new releases would contain all new and relatively unknown music; comprise a balanced and enjoyable programme; be exceptionally well performed and exhibit high levels of technical and sonic excellence. This new recording by Iara Behs fulfils all these criteria. An added bonus is the erudite and unusually informative accompanying notes presented by the performer. This is a recording that will bring joy to disciples of fine music.

by Zane Turner

Tracklist :
1 Espalhafatoso (Boisterous) [2:30]
2 Brejeiro (Mischievous) [1:57]
3 Confidências (Confidences) [7:05]
4 Escovado (Cunning) [4:11]
5 Nenê (Baby) [3:20]
6 Ameno Resedá [2:35]
7 Turbilhão de Beijos (Whirlwind of Kisses) [6:54]
8 Gaucho [2:45]
9 Plangente (Lamenting) [5:12]
10 Topázio Liquido [3:16]
11 Ouro Sobre Azul (Gold on Blue) [3:16]
12 Sarambeque [2:59]
13 Epônina [5:47]
14 Escorregando (Going down well) [2:37]
15 Tenebroso (Gloomy) [3:19]
16 Odeon [3:09]
17 Apnahei-te Cavaquinho (I have grabbed you, Cavaquinho) [2:33]



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4 août 2010 3 04 /08 /août /2010 15:00


Note :

Origine du Groupe : V.A Nigeria
Style : World Music , Soul Blues Rock , Psychedelic
Sortie : 1970s

Quand il y en a une, ça va. Mais quand il y en a plusieurs, ça pose un problème. Nous parlons bien sûr des compilations dédiées à l’Afrique de l’Ouest des années 60 et 70, très en vogue depuis ces dix dernières d’années. Du désormais classique « Nigeria 70 » réédité récemment par Strut, aux récentes explorations togolaises et béninoises d’Analog Africa, il est difficile de faire son choix face à une telle déferlante. Si la qualité des projets est parfois inégale, le label Soundway, autre incontournable dans ce créneau, risque fort de mettre tout le monde d’accord avec sa dernière livraison.

«The World Ends: Afro Rock & Psychedelia in 1970s» Nigeria fait la part belle aux productions nigériennes du début des années 70, -au sortir de la sanglante guerre du Biafra-, sur lesquelles soufflent un vent d’électricité et une soif de renaissance. Si aucun Fela ou Orlando Julius ne figure parmi la trentaine de titres ici présents, on y croise tout de même quelques pointures du genre tels Ofege et Sonny Okosun.

Mais l’immense majorité de ces enregistrements inédits est portée au crédit d’illustres inconnus aux noms fortement américanisés tels Chuck Barrister, Tony Grey, ou encore The Strangers et The Black Mirrors. Des blazes que n’auraient pas renié les groupes de garage US. Si Soundway avance le terme « psychedelia », n’imaginons pas pour autant un Grateful Dead à la sauce afro. En vérité, les nigérians lorgnent davantage vers Jimi Hendrix et James Brown mais ont suffisamment de personnalité pour insuffler aux guitares, cuivres et orgues un son bien local. Ajoutez des chanteurs survoltés et une section rythmique à l’efficacité redoutable… l’addition n’en est que plus salée.

Par Laurent Charrier

Tracklist :
Ify Jerry Krusade – Nwantinti / Die Die
The Hygrades – Rough Rider
The Hykkers – Deiyo Deiyo (Akpuwunlobi)
Wrinkar Experience – Soundway
The Funkees – Breakthrough
The Mebusas – Mr. Bull Dog (45 version)
Foundars 15 – Don’t Take Me For A Ride
Ceejebs – Eti Ufok
Tony Grey Super 7 – Yem Efe
The Identicals – Akwa Kayi Ji Bia Nuwa
P.R.O. – Blacky Joe
Cicada – Oli Nkwu
The Lijadu Sisters – Life’s Gone Down Low
Eppi Fanio – Ikoko Ti Yio Jata (On Perseverance)
Bongos Ikwue – All Night Long

The Thermometers – Babalawo
Colomach – Ottoto Shamoleda
The Black Mirrors – The World Ends
The Semi Colon – Isi Agboncha
Lawrence Amavi Group – Money That’s What I Want
The Hygrades – Somebody’s Gonna Lose Or Win
Ofege – In Concert
The Elcados – Chokoi & Oreje
Sonny Okosuns & Paperback Limited – Ohomi
Chuck Barrister & The Voices Of Darkness – Be Kind, Be Foolish, Be Happy Tony Grey & The Black 7 – Ugbo Ndoma
Reme Izabebo’s Music Research – (Ayamayama) The Same Man
Action 13 – Active Action
The Actions – Kpokposikposi
The Strangers – Onye Ije
The Comrades – Bullwalk
Ofo The Black Company – Egwu Aja



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30 juillet 2010 5 30 /07 /juillet /2010 14:00


Note :


Origine du Grouepe : U.K
Style : World Music , Afrobeat , Funk
Sortie : 2010

Quand des musiciens brésiliens, avec à leur tête  Otto Nascarella, rencontrent à Londres des autochtones et décident de marier la musique brésilienne au funk, à la soul et à l’afrobeat, ça donne Saravah Soul. Avec « Cultura Impura », le groupe réalise son 2ème album chez Tru Thoughts, deux ans après le 1er, en faisant exploser l’image qu’on peut avoir habituellement de la musique brésilienne. Cet album dégage une énergie cuivrée issu d’un cross over inhabituel entre la musique traditionnelle brésilienne, celle des carnavals toute en percussions, ou celle plus traditionnelle comme le bayo popularisé entre autre par Luiz Gonzaga, et la musique africaine, principalement l’afrobeat, ses cuivres et ses chœurs, mais aussi des petits airs d’inspiration éthiopienne ici ou là. Mais il est inimaginable de parler de cet album sans évoquer le bon vieux funk à la James Brown tant cet album groove du début à la fin. C’est un peu comme si Seu Jorge se retrouvait sur scène avec les JB’s et les Africa 70’s pour un répertoire bien loin de la douce mélancolie habituelle du crooner brésilien. Viva Brasil !

Par De la Lune on entend tout

Tracklist :
1. Janaina
2. Funk De Umbigada
3. Cachorro De Igrejinha
4. Mussum
5. Milk And Mangoes
6. Alforria (Album Version)
7. Dá Ne Mim
8. Fire
9. Mestiço
10. Se Da Dó
11. Seu Problema
12. The Truth Is Hard To Come By



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13 juillet 2010 2 13 /07 /juillet /2010 16:00


Note :


Bearing striking similarity to the Celtic music of the British Isles, Foday Musa Suso’s dancing yet melancholy playing and singing shows how various world musics have cross-fertilized throughout the centuries.  His role as chronicler of his people’s stories and history also places him in a similar position to the bard of Celtic lands.  And his playing of the kora, a twenty-three stringed West African harp lute, sounds much like the playing of traditional Celtic harpists, especially on “Beach Party,” “Lovers Dance,” and “Traveler.”  Other numbers sound a lot more African: “African Sunshine,” “Simaya Dua,” “Desert Wedding Dance,” and “Makola Markets.

I’m a little puzzled about the title of this disc, The Two Worlds, because it sounds like it almost entirely occupies only one world—that of the traditional Mandingo griot.  Perhaps the more Celtic-sounding numbers, plus the addition of Western percussion overlays (“Desert Wedding Dance” and “Makola Markets”), not to mention the westernized song titles, indicates a deeper blending of sensibilities than is obvious on the surface. Or maybe it’s simply because Suso has spent much of his adult life in the West, living in Chicago and recording for more than fourteen (!) record labels. 

Throughout his long career, Suso has managed to place himself in a variety of fascinating contexts, such as Carnegie Hall, the Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, the Franfurt International Jazz Festival, and the Cultural Center in Ulan Bator, Mongolia.  He has also performed on the film soundtracks Roots, Powaqqatsi, and Mountain of the Moon, and was a founder, with Adam Rudolph, of the Mandingo Griot Society.  This wide variety of experience he deftly incorporates into his traditional kora playing, giving it a complexity, subtlety, and vitality beyond what is found in most other practitioners of this somewhat static music.

by Jan P. Dennis


Origine du Groupe : Gambia

Style : World Music

Sortie  2008
1 - Beach Party
2 - Maliba
3 - Many Faces
4 - Summer Time
5 - Lovers Dance
6 - African Sunshine
7 - Simaya Dua
8 - Desert Wedding Dance
9 - Traveler
10 - Makola Markets



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22 juin 2010 2 22 /06 /juin /2010 15:00


Note :

More dry guitars, let's go back in time.
In the new urban culture during the fifties in the copper mining towns of Katanga Province
in southern Congo and on the Copperbelt in northern Zambia, the guitar became an important status symbol.
Hugh Tracey the South African broadcaster turned field recordist amassed probably the largest body of pre-independence recordings of music in central and southern Africa.
This focus on guitar music offers a journey from remote forest villages into the cities and mining camps.
Depending on where they lived, miners and urban professionals heard on their radios American jazz and its South African imitators, Cuban pop, and its Congolese imitators, as well as all sorts of traditional music.....
All of that is echoed in these recordings from Congo, Zambia, Zimbabwe and Malawi during the 1950s.
An exciting document, the emergence of a new sound – with some famous names such as Mwenda Jean Bosco
and George Sibanda......

by nauma

Origine du Groupe : Africa
Style : World Guitar
Sortie : 2002

Tracklist :

1957 &'58 recordings

Congo :
01-Ilunga Patrice & Misonba Victor-Mama Josefina
02-Ilunga Patrice & Misonba Victor-Masengu
03-Ngoi Nono & Kabongo Anastase-Muleka Mwene Yombwe
04-Kaseba Anatole-Muleka Mwene Ngoie

Zambia :
05-Stephen Tsoti Kasumali-Ematamno Waifwe Bantu
06-Stephen Tsoti Kasumali-Banakatekwe
07-T. Muntali & M. Sapao-Maio Wafwa
08-The Four Pauls-Nifwe Ba Four Pais
09-The Four Pauls-Maselino Yaya Yoyayu
10-John Lushi-Bamgufya Ba Kwati
11-Isaac Matafwana & Sunkutu-Katikalepuke Katikatobeke
12-Luson Mwape Muchalo-Chilomendo Chakumena
13-William Sivale-Nashe Nsapato
14-F. Musonda-Amatstotsi Mama Amaononge Chalo

Malawi :
15-Pearson Kapeni-Akazi
16-De Ndirande Pitch Crooners-Elube

1950,'51,'52 recordings

Zimbabwe :
17-George Sibanda-Gwabi Gwabi
18-George Sibanda-Dali Ngiyakuthanda Bati Ha-Ha-Ha
19-Josiah Nkomi-Itaula Bava Yami

Congo :
20-Mwenda Jean Bosco-Mama Na Mwana
21-Ombiza Charles-Nachelewa
22-Ombiza Charles-Safari Ya Baraka
23-Bembele Henri-Colette
24-Bembele Henri-Beni



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20 juin 2010 7 20 /06 /juin /2010 12:30


Note : +



Réédition révisée et remastérisée d'un classique de la Renaissance de la Musique Juive (anciennement KFR 273) nous faisant entendre l'incroyable diversité vocale de BASYA SCHECHTER, juive orthodoxe de Brooklyn. Produit par une figure majeure de la Downtown Scene, ANTHONY COLEMAN, Out of the Reeds est traversé d'un bout à l'autre par un chant vibrant qui conjugue les traditions sépharate et ashkénite. De l'âme avant toute chose.


Origine du Groupe : North America
Style : World
Sortie : 2000

Tracklist: :
1. Hevel
2. Afilu
3. Im Ein Ani Li Mili
4. Taitch
5. Eicha
6. West African Niggun
7. Lecha Dodi
8. Hamavdil
9. Koomi Lach
10. Shnirele Perele
11. Ija Mia



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15 juin 2010 2 15 /06 /juin /2010 11:00


Note :


The album ‘He O Oe Oe!’  by the Sotho singer Puseletso Seema,  backed by the group Tau Ea Linares, translated ‘King of Buffaloes, was originally released in 1985 by Globestyle, the UK label of Ben Mandelson and is long out of print. The recordings on this album are unique because Ben, as a passionate music aficionado, arranged for the meeting of Puseletso Seema and Tau Ea Linare, who normally record separately.

Sotho traditional music is an integral part of Sotho social education and traditionally links hearing with the understanding of the natural and social worlds. The Sotho describe instruments as either liletsa tsa matsoho (those sounded by the hand) or liletsa tsa molomo (those sounded by the mouth). The former category includes the moropa and skupu drums, these days often made from oil cans because of scarcity of wood. The latter category includes the lesiba, a mouth-resonated stick-zither sounded by blowing. The primary use of the lesiba is in cattle-herding; bird sounds and actions are seen to affect cattle; these sounds can be imitated on the lesiba and the instrument is thus used to control the animals’ behaviour. The whistles and yipping are herdboy’s calls as recorded for the particular song.




Origine du Groupe : Lesotho
Style : World Music
Sortie : 1985

Tracklist :
1 He o oe oe !
2 Leshano
3 Vatse halenone
4 Ha motsoane
5 Mathabo
6 Tsetala Linare
7 Thaba tsepe
8 Katla ka sotleha
9 Bajoetse saki
10 Kesetse mahlomolenu



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11 juin 2010 5 11 /06 /juin /2010 12:00


Note :



Comme toutes les stars véritables, dans n’importe quel style de musique, Oumou Sangaré doit sa place dans le panthéon ouest-africain à quelque chose qui dépasse largement la capacité de bien chanter.
Elle écrit et compose ses chansons, critique la réalité sociale, défend les droits des femmes, représente publiquement sa génération et son sexe. Bref, Oumou est plus qu’une simple "chanteuse". C’est une sorte de phénomène, parce qu’elle incarne des valeurs et des luttes très importantes pour beaucoup de gens, parce que c’est une Africaine et surtout une femme africaine, qui dit sa façon de penser sans la moindre peur.

Oumou Sangaré est née à Bamako en 1968, ses parents ayant émigré de la région-sud du fleuve Niger, le Wassoulou, vers la capitale du Mali en plein développement. Sa mère, Aminata Diakité, chanteuse également, devait, comme la plupart des femmes de sa génération, partager son mari avec deux autres épouses. Cette confrontation formatrice avec la polygamie et la souffrance qu’elle peut causer a beaucoup marqué la petite fille. Sa mère l’a poussée à travailler son précieux talent de chanteuse, lui murmurant par exemple au moment où, terrifiée, elle allait monter en scène au stade omnisports de Bamako, pour sa première apparition publique à l’âge de six ans, "Chante comme si tu étais à la maison, dans la cuisine." Après avoir été membre de l’Ensemble instrumental National du Mali, où se sont formés beaucoup de grands musiciens du pays, Oumou, à la demande du vétéran du Super Djata Band, Bamba Dembélé, est partie en 1986 accompagner sa troupe de percussions traditionnelles Djoliba en tournée en Europe. Après cette brève incursion dans la vie de musicien, elle est rentrée chez elle avec la détermination exceptionnelle de former son propre groupe et de créer sa propre musique basée sur les styles et les traditions de sa patrie ancestrale, le Wassoulou.

Pour des raisons qu’elle-même a du mal à bien expliquer, la région du Wassoulou a produit un nombre remarquable de grandes chanteuses depuis l’indépendance du Mali, acquise au début des années soixante. Parmi celles qui l’ont fortement influencée, elle cite constamment les pionnières Coumba Sidibé, Sali Sidibe et Flan Saran qui, avec beaucoup d’autres, ont forgé un style de musique bien particulier à partir des danses et des rythmes régionaux comme le didadi, le bari, le sigui et surtout le sogonikun, une danse traditionnelle, masquée, exécutée principalement par des jeunes filles au moment de la moisson.
Ce style, aujourd’hui connu comme ‘wassoulou’, marie le tambour djembé et le karignan (un grattoir en métal) et catapulte les rythmes des danses traditionnelles de la région avec le son nerveux mais vigoureux du kamalen n'goni (littéralement, ‘harpe des jeunes hommes’), instrument qui a joué un rôle-clé dans le développement du wassoulou.
Adapté par les jeunes de Yanfolila, au cœur du Wassoulou, à partir du donso n'goni, une harpe ancienne utilisée dans les rituels des chasseurs forestiers de la région, le kamalen n'goni symbolise à plusieurs égards la jeunesse et peut-être la rébellion dans le sens rock‘n’roll du terme, mais au moins la notion de plaisir et de liberté.

En 1986, peu après son retour d’Europe, Oumou a commencé à travailler auprès de l’illustre arrangeur Amadou Ba Guindo. Avec un excellent groupe de musiciens qui comprenait Boubacar Diallo à la guitare et Aliou Traoré au violon, Oumou et Amadou Ba se sont attelés à la création d’un son précis et très personnel, ancré dans la tradition tout en étant à la fois original et moderne. Oumou a remplacé le violon traditionnel à cordes en crin de cheval, dit soku, par un violon moderne qui n’avait pas encore été utilisé dans une formation wassoulou et a introduit la calebasse ou fle comme instrument de percussion.
Après deux ans de dur labeur et d’expérimentation, le groupe a obtenu un contrat d’enregistrement. Oumou et compagnie sont donc partis pour Abidjan, en Côte-d’Ivoire, où ils ont gravé ‘Moussolou’, six compositions originales d’Oumou, en sept jours aux légendaires studios JBZ.
A sa sortie en 1989, la cassette s’est vendue à plus de 200.000 exemplaires, le public et les pirates sont devenus fous et à vingt-et-un ans, Oumou s’est retrouvée star.

‘Moussolou’ (Femmes) est un classique de la pop africaine moderne. A sa manière, il représentait une sorte de révolution dans la manière d’enregistrer et de produire la musique africaine. Avec leurs sonorités magnifiquement claires et rares, reposant sur des instruments traditionnels et en général acoustiques, Oumou et Amadou Ba avaient concocté une alternative viable à ce que l’on percevait auparavant comme les seules options possibles : la ‘modernité’ marchant au synthé et à la boîte à rythmes ou l’inécoutable ‘obscurité’ du traditionnel bricolé en basse-fidélité. Cette approche de la musique faisait également écho au combat plus profond de ses pairs pour une identité culturelle dans laquelle la tradition n’est pas éjectée, mais modernisée en gardant son essence et sa force intactes. Oumou insiste sur le fait que, même si elle condamne les abus des coutumes traditionnelles comme la polygamie, elle n’est pas contre la tradition. "Regardez les vêtements que je porte, dit-elle, est-ce qu’ils ne sont pas traditionnels ?"

Bien que l’incroyable succès de ‘Moussolou’ ait mis Oumou sur l’échiquier musical ouest-africain, ce n’est qu’après en avoir entendu parler, par hasard, par le légendaire guitariste malien Ali Farka Touré en 1991 que le label britannique World Circuit a repris les droits de l’album hors d’Afrique et a commencé à construire la carrière internationale de la chanteuse. ‘Moussolou’ a été extrêmement bien accueilli partout lors de sa sortie mondiale et Oumou, jamais à court d’inspiration, s’est mise à travailler sur les chansons de son second album ‘Ko Sira’ (Mariage aujourd’hui), enregistré à Berlin et publié par World Circuit en 1993. ‘Ko Sira’ comprend ‘Saa Magni’, un émouvant hommage à Amadou Ba, disparu dans un accident de voiture. "La mort a foudroyé Amadou Ba Guindo, chante-t-elle, la mort n’épargne aucun être, rien ne peut l’arrêter, même pas la célébrité."

Avec ‘Ko Sira’, Oumou a mis un deuxième succès à son palmarès et a consolidé sa renommée. Dans son pays les hommes politiques se sont précipités pour s’associer à ses opinions lucides sur la moralité contemporaine, mais elle reste ostensiblement non-alignée. Elle a remporté de nombreux prix au Mali et ‘Ko Sira’ a été élu Album world music de l’année (1993) en Europe. Malgré la naissance de son premier enfant, elle a entrepris d’épuisantes tournées en Afrique et en Europe et a fait sa deuxième visite aux USA en 1994 dans le cadre de la tournée collective d’Africa Fête, jouant devant un public extasié au Summer Stage de Central Park, à New York.

Pour son troisième album, ‘Worotan’ (Dix noix de cola… c’est-à-dire le traditionnel prix d’une mariée au Mali), sorti en 1996, elle a travaillé avec Pee Wee Ellis, ancien saxophoniste de James Brown et fidèle des Horny Horns, qui a apporté sa contribution enthousiaste mais respectueuse à la création de Sangaré. Nitin Sawhney, l’as anglo-indien de la guitare, a également prêté son concours à l’album, surtout dans la dernière chanson, ’Djôrôlen’, l’une des compositions les plus touchantes d’Oumou à ce jour.

La raison essentielle de la popularité nationale, puis internationale, du wassoulou vient de ce qu’il offre, surtout aux jeunes, une alternative appréciable à la tradition ancienne et principalement malienne des griots ou djélis, ou chanteurs de louanges. Tandis que les djélis font l’éloge des hommes importants et vantent la gloire de leurs ancêtres, les chanteurs wassoulou abordent les soucis quotidiens dans leurs chansons. Les djélis adressent leurs louanges à un individu particulier (généralement un pilier de la société et de la communauté) dans l’espoir d’une belle récompense, alors que les chanteurs de wassoulou chantent pour tout un chacun, sans penser à une quelconque rétribution financière. Le public reste assis pendant le concert d’un djéli en l’écoutant calmement et respectueusement, les chanteurs de wassoulou s’attendent au contraire à ce que leur auditoire se mette debout et danse.

Imprégnée de cette perspective du wassoulou, Oumou Sangaré est assurément la star féminine des gens qui réfléchissent. Quand il s’agit de parler vrai, elle n’essaie jamais de se dérober à sa tâche. Les mêmes thèmes reviennent dans tous ses disques : les combats des femmes dans une société musulmane dominée par les hommes, le conflit entre tradition et modernité, les joies et les peines incompréhensibles de la vie et de la mort. Avec sa stature imposante, sa beauté provocatrice, son intelligence courageuse et sa voix extraordinaire, elle réussit à impressionner et à étonner presque partout, que ce soit dans les rues de Bamako, les boutiques de Paris ou sur les scènes de concert internationales. Lorsqu’elle chante avec l’aisance et la puissance expressive d’une Aretha Franklin ou d’une Patsy Cline, puis vous regarde droit dans les yeux en vous disant, "Je me battrais jusqu’à la mort pour les droits des femmes africaines et des femmes du monde entier", vous vous rendez compte que vous avez affaire à quelqu’un de très spécial.

Si Oumou a quelque peu délaissé l’Europe ces dernières années, elle a occupé le devant de la scène en Afrique. Trois mois après sa parution en mars 2001 (uniquement en Afrique), son quatrième album, ‘Laban’, était déjà disque d’or au Mali, avec plus de 100.000 cassettes officielles vendues.

En novembre 2001, elle a reçu le Prix de la musique 2001 de l’UNESCO/Conseil international de la musique pour sa contribution à "l’enrichissement et au développement de la musique, ainsi qu’à la cause de la paix, de la compréhension entre les peuples et de la coopération internationale". En dehors de ses multiples tournées en Afrique de l’Ouest, elle vient d’ouvrir un hôtel à Bamako, au printemps 2002.

Suite à une prestation époustouflante au Festival d’Essaouira en juin 2002, Oumou est de nouveau prête à remonter sur les scènes internationales. Durant l’été 2003, elle doit se produire dans plusieurs grands festivals européens, dont Jazz à Vienne (en France), le festival Paleo (en Suisse) et le Womad (au Royaume-Uni).

En septembre 2003, World Circuit publie un CD-compilation des meilleurs titres, anciens et nouveaux, d’Oumou Sangaré, qui sera suivi d’une grande tournée internationale.

par Andy Morgan

Origine du Groupe : Mali
Style : world Music
Sortie : 1993

Tracklist :
1. Kayini Wura
2. Sigi Kuruni
3. Mani Djindala
4. Saa Magi
5. Dugu Kamelenba
6. Bi Furu
7. Nawo Nawo
8. Ko Sira



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2 juin 2010 3 02 /06 /juin /2010 16:00


Note :



Mounira Mitchala est une jeune chanteuse tchadienne, auteur-compositeur-interprète, s'il vous plat, qui commence à se faire un nom par chez nous. Autant le dire d'emblée, la voix est magnifique, vibrante dans les graves et presque angélique dans les aigus - comme seules savent le faire les chanteuses africaines ! Les chansons ne sont pas en reste : très accrocheuses et surprenantes, elles allient mélodie et instrumentation inhabituelle, à mi-chemin entre tradition et modernité pourrait-on dire (ça fait un peu Libé ou Télérama d'écrire ça, mais c'est vrai !), avec des instruments issus de la culture pop/rock (guitares, basse...) et des sonorités acoustiques authentiques. Mounira ne fait pas de la musique traditionnelle, elle propose une musique actuelle. Les amateurs de world music adaptée à nos critères européens (ce que je dis ne se veut pas péjoratif...) auront peut-être du mal à rentrer dedans, mais cela vaut la peine de s'accrocher, je vous assure ! Quant aux textes, ils sont politiquement très engagés; les sujets sont graves : le Darfour évidemment, le Sahara, le droit des femmes, etc. Ils ne sont pas traduits (cela aurait été intéressant...), mais le thème de chaque titre est brièvement exposé en Français). Très chaudement recommandé !

par bruspell

Origine du Groupe : Tchad
Style : World Music
Sortie : 2008

Tracklist :
01 - Annil
02 - Zarlie
03 - Tourapna
04 - Talou Lena
05 - Assamony
06 - Darfour
07 - Koulnodji
08 - Annaloule
09 - Al Sahara
10 - Adinna
11 - Hadjilidjai
12 - Darna


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31 mai 2010 1 31 /05 /mai /2010 11:00


Note :



Origine du Groupe : Cap Verde

Style : World Music

Sortie : 2008

Tracklist :

01 - Confianca (4:16)
02 - Afrika (5:09)
03 - Ind'Feso (3:31)
04 - Levanta No Bai (3:35)
05 - Verdade (3:58)
06 - Code (4:58)
07 - Sem Valor (4:14)
08 - D'Xam Ess Moment (3:17)
09 - Tud Tem I Razao I Moment (3:30)
10 - Pergunta Sem Fin (4:31)
11 - Viadade E Leviandade (3:00)
12 - S. Anton M'Cre Conche Bo Estoria (4:44)


La chanteuse capverdienne Carmen Souza est dotée d'une voix douce qui semble pouvoir aborder sans effort tous les genres et d'un sens du rythme qui la rapproche de nombreuses chanteuses de jazz.

Selon le journal portugais l'Expresso, "Verdade" (en français : "la vérité") "mérite son nom dans chacun de ses mots et chacune de ses notes, même s'il mélange les rythmes traditionnels de l'archipel avec de multiples genres, notamment le jazz".


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